Multi-channel Projection Arts + Frontières du projeter



Deadline for Submissions: AUGUST 12, 2020
:: Proposals should be in English, Portuguese or Spanish::

Date limite de soumission: 12 août 2020
:: Les propositions seront acceptées en portugais, espagnol ou anglais ::

[v4n1] Multi-channel Projection Arts: Sound & Visual Operativities

[v4n2] Frontières du projeter: dialogues entre l'art et le design



- Multi-channel Projection Arts: Sound & Visual Operativities

Projections continue to proliferate. They have burgeoned beyond the white cubes of art galleries or the dark spaces of cinemas, while emergent technological media have enabled the production of image, sound and hybrid audiovisual artifacts. Perhaps it is the fulfillment, by and large, of the promise heralded by futuristic fables of variegated screens molding our poetics: habitual devices, such as cell phones or digital clocks, are emitters of amplified visual and sound signals, while screens of water, smoke and steam, windows, fabric, wearables, utensils, etc constitute our experience.

Without requiring a specific surface of projection, thoughts, emotions, habits and behaviors are being shared collectively in our everyday life, in public urban spaces and intimate private ones. As for the question of spectatorship before the projections, classic cinema theory has already problematized the static viewer in terms of embodied passivity in the referent dispositif, while media art studies seem to point towards the critique of technological fascination with digital projection, leaving us attentive to aspects of immersion and/or interactivity inherent (or not) in artistic propositions.

The motivation behind the present special issue stems as much from laboratory practices developed in our university projects over the past two years, as from on-going discussions with peers about our various experiences. As such, we look for the debate in the reflexions on the modus operandi, on processes of creation, on the gestuality inherent in the montage and assemblage of various forms (Montaner, 2002; Elsaesser, 2018) of projection: what is the difference between the immersivity produced by the cinematographic dispositif and other modes of projection? What “interactive” aesthetics do we experience in video-projection art installations? In what ways do different projections—and their projective activity, in the sense of “to design”—cause different affects in human being?

Without pitting against each other mental images (be they visual or aural) and real facts, according to Gilbert Simondon (1924-1989),projected images and sounds refer us to those aspects of interiority and exteriority contained in them, uniting imagination (symbolic, mental, dreamlike, emotive) and invention (objects, languages, figures, sounds). There is a circular causality—sometimes regulative, sometimes transgressive—between interiority and exteriority which is concretized within artistic practices, techno-aesthetic objects, monuments and social gestures. Projections, like quasi-organisms that form within a subject, have a certain autonomy: not only do subjects produce images, but moreover, visual and auditory images produce collective subjects.

From the shadow theater of the 17th century, through the spectacle of the phantasmagoria (1763–1837), the logic of the Magic Lantern (1870), the invention of the cinematograph (1895) and the avant-garde of the early 20th century, we arrive at the contemporaneity of historiographies and debates on the art of animation (Lucena, 2002), illusionism and immersiveness (Grau, 2007), video art, video installation (Rush, 2006), expanded cinema (Youngblood, 1971; Rieser, 2002) and their perpetual actualizations through visual panoramas and/or soundscapes referenced under various terms: Fulldome and assorted 360 projection systems (virtual reality and beyond), live cinema (or VJing), videomapping, multimedia installation, mobile projection, video sculpture, luminous graffiti, non-linear projection, holographic projection, videowall compositions, etc—terminologies which explain the various projection practices and their relational technologies, that explore multiple design aesthetics to immersion, navigation and/or interaction—technē, aesthesis, praxis.

Between an over abundant exposure of technical images and montage as the basis for all artistic practice, emergent technologies intensify the aspects of composition, reproduction and exhibition, while conveying the necessary referents to new languages and to their modes of production, perception and staging as previously indicated a century ago by Siegfried Kracauer (1889-1966), Walter Benjamin (1892-1940), Dziga Vertov (1896-1954) and Sergei Eisenstein (1898-1948), among others.

In terms of sound art, audiovisual artists musically revere the articulations between silence, noise and/or the spoken word. From concrete composers to electro-acoustic performers like John Cage (1912-1992), Karlheinz Stockhausen (1928-2007), Robert Moog (1934-2005) and Laurie Anderson (1947-), these artists, along with contemporary electronic music creators such as Amon Tobin and Xerxes de Oliveira, saw their possibilities expanded in light of the "tuning of the world”—between soundscapes, listening and acoustics of objects and environments in this art of time (Schafer, 2001; Wisnik, 2017) in communion with remix practices, such as sampling, looping, scratching, etc. both abroad (Dworkin, 2003; Lessig, 2008; Navas, 2012) and in the Brazil of “sound systems” (Lemos, 2008).

When exploring different topologies—such as blind walls, CAVEs, domes, planetariums, galleries, and various objects, bodies, vegetation, etc—different artists investigated multiple aspects of the activity of design (Artigas, 2015). For example, while Hélio Oiticica, Bill Viola, Pipilotti Rist, Eder Santos, Willian Kentridge, Eija-Liisa Ahtila and Douglas Gordon work immersively in their installations with multiple screens in gallery black-boxes, artists such as Grahame Weinbren, Myron Krueger, Jeffrey Shaw, Peter Weibel, Golan Levin, Ryoji Ikeda, Lucas Bambozzi, Sandra Kogut and the women’s collective mm não é confete, have instigated their spectators to become participants, interactors and even interactants (Neville d'Almeida, Julio Plaza, Lev Manovich and Bill Seaman) in order to interact on various levels with the works—a call to action from the subject. If artists like Anthony McCall, James Turrell, Marc Lee and Joan Jonas perform other modes of spatial interference in galleries, and Daniela Kutschat, Studio Azzurro, teamLab and Tony Oursler work on projections usingthe CAVE logicof multiple screens on black boxesall the way to video sculptures, artists like Rafael Lozano-Hemmer and Roberta Carvalho, among others, explore everything from relational architectures to interventions in urban or natural landscapes.

Thus, we propose a special issue for contributions that shed light on methods, structures and practices based on these experimentations and others, related to reflections on the observer and perception (Crary, 2013) or the nature of the viewer in projection (Mondloch, 2010; Simanowski , 2011). In these innumerable abstract machines and artistic practices (Machado, 2001) among the multiple media that are associated through socio-aesthetic experiences and the operations that propagate in the act of projection, we question:


What operations permeate the act of projecting realities?

For each modality, a projection?

How are images and sound articulated between observers and/in different media?


When we conceive the act of projection in terms of design (Flusser, 2007), we deviate from identity models and technological determinisms and turn to the relational aspect that constitutes all artistic practice; we turn to the particular modus operandi to the creative process of each projection as the experiential in visual and auditory imagery. The act of projecting extraordinary worlds that we create according to our techno-aesthetic experiences—image/interface/device/projection—is always changing between representation and control through the action of the subject (somatic-spatial activities in the act of projection, of contemplation and participation in interactivity—the game of gestures and gazes of the public).

Therefore, in addition to the fetishized technological excess (the digital wizardry of the three-dimensional computerized image), we also seek contributions regarding immersiveness, participation or interactivity proposed by topological experiences of projections in architecture: specifically in terms of projection vaults, projectors and sound systems for fulldomes, as well as those characteristically treated as urban interventions and beyond.

We invite researchers and/or artists to this special issue of Vazantes Journal, “Multi-channel Projection Arts: Sound & Visual Operativities”, to contribute problematizations, experiments and reflections pertinent to these practices in the field of Art, yesterday and today, in order to expand dialogues of knowledge between visual and sound processes in projection:

.Projections in planetariums, dome architectures or specific locations—the observer's place in simulacra of projection (e.g. fulldome, 360, VR - virtual reality, CAVE, etc.)

.Political appropriation of urban space—urban projections as citizen resistance(e.g. videomapping, luminous graffiti, mobile projections, VJing - video jockey, etc.)

.Installations of continuous projections in exhibition spaces (e.g. exhibition cinema and loop logic, data visualization, AI - artificial intelligence, etc.)

.Sound projection as superseding the imagistic (e.g. sound landscape, acoustic installation, stereophony, sound design, etc.)

.Collective and collaborative practices in the activity of projection as design (e.g. collective projects and processes for projection in various audiovisual devices.)

.Architecture and the topology of space in projective deconstructions (e.g. video sculpture, videowalls, video projection, etc.)

.The relational space of audiovisual projections (e.g. telematic performances, happenings, etc.)

.Interactive aesthetics in post-cinematography (e.g. remote control displays in the hands of the audience, video installations or sensorial media, projections with assorted sensors for real-time data manipulation, etc.)

.Aesthetic and/or social aspects of expanded cinema—history, experiments and reflections (e.g. motion graphics, visual music, live cinema, experimental cinema, etc.)

.Cinematographic timeframes of black-boxes in white cubes (e.g. multiple screens, video installations, etc.)

.Stereoscopic visuals and sound in different audiovisual media (e.g. kinect typography, visual music, experimental cinema, etc.)

.Other environments for asymmetric and/or experimental projections—online issues between multiple audiovisual media (e.g. gifs, stories, youtubers, etc.)

Revista Vazantes is a peer-reviewed journal based in the Postgraduate Program in the Arts at the Federal University of Ceará (UFC/Brazil), featuring two issues per year. We invite the submission of scholarly and artistic work in English, Spanish, or Portuguese, aligned to any of the following bibliographic or non-bibliographic formats:

-Visual essays

-Audio essays

-Experimental writings

-Academic articles 

-Verbal essays


-Book, Film, and Performance Reviews

-Artistic experiments

-Multi-genre interventions


Frontières du projeter: dialogues entre l'art et le design

Au milieu de la période actuelle de crise mondiale due à la pandémie, présent dystopique dans laquelle nous vivons en l'an 2020, c'est que nous proposons une invitation à réfléchir sur les vies imprégnées par les flux et reflux des «choses du monde» (i.e. genres simples de la vie quotidienne) - dans une perspective d'expansion du design vers l'art et vice versa. 

Il existe de nombreuses stratégies d'analyse du chercheur, artiste et / ou designer qui ont été adoptées au début de notre siècle pour l’analyse de tels objets culturels: entre “Atlas Mnemosyne” (par Aby Warburg, Allemagne), “La Critique du Processus” (par Cecília Salles, Brésil), Théorie de l’Acteur-Réseau (par Bruno Latour, France) et “Data Visualization” (par Lev Manovich, USA), entre autres. Ces débats se déplacent entre la médiation technique et la politique des choses - politique de la vie quotidienne - pour élargir la compréhension des façons de faire dans l'art et le design.

Ainsi, le présent appel à contributions à la quatrième année du Revue Vazantes ouvre un espace pour les matérialités trouvées dans la recherche, les créations et les actions entre Art et Design: nous souhaitons identifier dans quelle mesure la vie quotidienne vécue aujourd'hui est montrée dans sa version la plus radicale de ce qui a été configuré comme notre corps au cours des siècles passés - un corps qui est parfois discipliné, normalisé, accéléré, qualifié, parfois ralenti, rejeté, maintenant recomposé ... Et puis, intimement liée à la vitalité et à l'éloquence des choses (Haraway, 2008).

Les débats sur l'écologie et la durabilité sont également proposés - sur la base de termes tels que l'extinction (des espèces), la dégradation (du sol, de l'eau et de l'air) et les déplacements (humains) - sont présentés dans une urgence transparente concernant les pratiques quotidiennes et mettent  en évidence la de multiples traces d'une práxis des choses du quotidien dans nos vies malgré nos intentions, nos envies, nos interprétations … Des biens aux choses. Par exemple, la chose que vous tenez entre vos mains (que Deleuze avait désignée comme un collier numérique); les ustensiles que vous utilisez pour boire qui étanchent votre soif, pour couper la nourriture qui vous nourrit; la chose qui affiche votre divertissement; la chose qui projette, projeté, s'est conçu.


Comment les choses conçus affectent-elles la vie des gens?

Sur notre  vies et l'environnement qui nous entoure?

Ou encore, comment affectent-elles les médias les plus éloignés?


Nous faisons appel à des chercheurs et / ou artistes et / ou designers pour répondre à ces questions. Ce sont des questions qui visent à provoquer une réflexion sur le modus operandi des pratiques et des idées. En d'autres termes, comme les processus des différentes formes de projeter / concevoir, «to design», définissent la dynamique des matérialités contemporaines (Flusser, 2004) et étendent les territoires des activités artistiques dans leur ensemble complexe, configurant le monde sensible partagé: techné, aesthésis, praxis.

La division entre la matérialité, d'une part, et le design, d'autre part - une division typiquement moderniste - est en train de se dissoudre et se dissoudre... lentement. Tout comme le paradigme du design centré sur l'homme ou centré sur l'utilisateur, les implications des changements technologiques et environnementaux ont poussé les concepteurs, «designers», à se concentrer aujourd'hui sur les systèmes socio-techniques complexes, comme l'a souligné Rafael Cardoso (2012).

Au-delà des questions de production et de consommation, nous pensons le design à travers le biais d'un ensemble de relations - sociales et affectives, technologiques et sensibles, individuelles et collectives - esthétiques, qui impliquent donc les relations entre agents humains et non humains. Victor Papanek (1971) avait déjà ouvert la voie au designer dans le sillage de l'artiste qui descend dans la rue, en plus de ses bureau ou ateliers, psychogéographiant la ville, afin de projeter d'autres mondes possible.

D'autres auteurs, comme Arturo Escobar (2016) et Tony Fry (2010), ont souligné comment le design contemporain tend à perpétuer les impératifs de la modernité - traduits aujourd'hui par le capitalisme néolibéral - compte tenu de l'insistance du rôle humain comme base du projet et de défendre le besoin de rechercher d'autres pratiques, disciplines et cultures. Par conséquent, une recherche de nouvelles significations pour la pratique du design: pour l'équité entre les humains et les non-humains à travers la suppression des frontières entre le design et l'art dans leurs processus de création vers d'autres connaissances et matérialités (Krippendorf, 2006) , ignoré d'innombrables fois dans les projets à la forme.

En attendant, la diffusion de la culture du design signale des changements dans la relation entre sujet et objet. Nous proposons donc un certain nombre de contributions qui mettent en lumière les méthodes, structures et pratiques liées au design / art (à l'art / design) qui sont liées à nos singularités et matérialités - une relation entre l'humain et le non (humain).

Nous vous invitons à explorer las micropolitiques qui implique les processus qui contaminent le design à travers l'art et l'art à travers le design (Rancière, 2012) et nous listons donc quelques points qui pour vous - cher chercheur, artiste et / ou designer - devraient être développés en face de cette agencement matérielle:

.Des graphiques animés aux artefacts critiques (entre design spéculative et science-fiction)

.Design ouverte (culture open source, technologies ouvertes, cultures d'accès libre)

.Co-design (design collaboratif, design participatif)

.Art et feminism  (les femmes dans le design?)

.Fab Lab (fabrication numérique, matérialités hybrides)

.Design, intersectionnalité et multiculturalité (culture indigène, africanités et peuples en situation diasporique)

.Parmi les interfaces et les utilisateurs (UX, HCI, GUI et IOT)

.Conception anthropocène (transhumaine, multispécifique)

.Esthétique et matérialités du project

.Perspectivisme et conception (conception décoloniale, conception pluriverse)

.Matérialités de la mode (talités et tactilités - la nature de la simplicité dans la conception)

.Art, design et technologies de réseau

.Art, design et identité (design régional, art glocal, réseaux artistiques et esthétiques de périphérie)

.Art, design et paysages du quotidien

.Redesign - design contemporain (dans la reformulation des théories et des pratiques classiques du design)

.Ergonomie de l'accessibilité

.Le design et l'art dans les pratiques quotidiennes (vivre, résider, habiter, s'habiller, manger, marcher, communiquer, cuisiner, etc.)

.Design et art face aux philosophies d’épuisement (fatigue, burn out)

Vazantes - Revue du programme de troisième cycle d'études supérieures en arts des Arts de l'Université Fédérale de Ceará/ Brésil -, invite les auteurs de propositions pour leur nouveau numéro (en portugais, espagnol ou anglais sont acceptés) dans suivant formats, bibliographiques et non bibliographique:

-essais visuels

-écrits expérimentaux

-articles académiques

-essais verbaux


-critique de livre

-expériences artistiques ou

-interventions d'autres langues